Zum Abschluss ihrer aktiven Tanzkarriere tanzte sie Csaba Szögi ist der Gründer des Mitteleuropäischen Tanztheaters (KET) und der künstlerische Leiter des Bethlen-Téri-Theaters das Stück „Puszta“. „Puszta“ ist ein Monotanz, ein Genre, das Szögi selbst gemeinsam mit seinem Freund, dem Choreografen István Énekes, in Anlehnung an Monodramen geschaffen hat. Das Genre entstand also in unserem Land und begann von hier aus seinen Siegeszug. Der Monotanz ist ein Selbstbekenntnis und daher für den Tänzer eine besonders schwierige Aufgabe, die mit langwieriger und tiefgreifender Selbstanalyse verbunden ist. Aus diesem Grund wird das Genre gefeiert Internationales Monotanz-Festival Auch das KET und das Bethlen veranstalten es nur alle zwei Jahre, dieses Jahr bereits zum elften Mal. Darüber haben wir mit Csaba Szögi gesprochen, einem der Mitbegründer von „monotánc“ und des Festivals.

– Gibt es eine Entstehungsgeschichte dieses Genres?

– Im Jahr 2005 arbeiteten mein Freund István Énekes und ich in Dunaújváros mit dem Béla-Bartók-Tanztheater zusammen und suchten gerade nach einem Projekt, das wir außerhalb des Repertoires des Ensembles realisieren könnten. Damals haben wir das Forum junger Choreografen (IKF) und es kam die Idee eines Festivals mit Soloaufführungen auf, da wir festgestellt hatten, dass innerhalb der Branche sehr viele Soloaufführungen entstanden waren, die jedoch unverdienterweise schnell wieder in Vergessenheit gerieten. Wir dachten dabei nicht an jene Solostücke, die die Schönheit, die technische Besonderheit oder die Neuartigkeit des Tanzes präsentierten, sondern uns interessierte das, was uns dem Theater näherbrachte. All dies waren dramatisierte Aufführungen, die inhaltlich, gedanklich und in ihrer Aussage weit mehr zu bieten hatten als ein Solotanz. Wir erkannten, dass dies das tänzerische Pendant zum Monodrama war; zudem fand damals im Géza-Gárdonyi-Theater in Eger alle zwei Jahre ein Monodrama-Festival statt. Nach diesem Vorbild schufen wir den Begriff „Monotanz“. So fing alles an, und mittlerweile entstehen dazu Abschlussarbeiten, es werden ernsthafte Studien und Artikel darüber verfasst, und auch innerhalb der Branche ist die Existenz dieses neuen Genres mittlerweile selbstverständlich geworden.

– Heutzutage wird der Monotanz fast überall auf der Welt getanzt. Wie hat man diese Tanzart im Ausland kennengelernt?

– Wie der Name schon sagt, handelt es sich um ein internationales Festival, daher sind wir stets auf der Suche nach Partnern, die nach Ungarn kommen möchten. Unsere erste Zusammenarbeit erfolgte mit dem bulgarischen Choreografen Jivko Jeliazkov, der unter dem Titel „Monocrossing“ eine Choreografie für die KET-Tänzerin Marianna Hargitai und anschließend dieselbe Choreografie auch für die Südkoreanerin Jungin Lee kreierte, und wir präsentierten das Stück so, dass die Bühne in zwei Teile geteilt war und die beiden Mädchen gleichzeitig, aber unabhängig voneinander darauf tanzten. Jungin Lee unterrichtet seitdem in Linz und bringt dieses Jahr bereits zwei ihrer Schülerinnen zum Festival nach Budapest mit. Barna Petrányi (Pro Progressione), der internationale Projekte verfolgt, schaltete sich schon früh in die Arbeit ein, und der damalige künstlerische Leiter des KET, Attila Kun, wurde eingeladen, Workshops in Südkorea zu leiten. So begann der Aufbau des internationalen Beziehungsnetzes auf mehreren Ebenen, und die Zusammenarbeit mit den Südkoreanern hat sich seitdem zu einer Partnerschaft entwickelt, Sin Ae Park unter seiner Leitung. Er und sein Team kommen oft nach Europa; nach Paris präsentieren sie ihre neuesten Stücke in der Regel bei uns, beim SŐT7, sowie bereits zum vierten Mal beim Monotanz-Festival. Sie organisiert das Monotanz Festival Seoul, also das südkoreanische Schwesterfestival unseres Festivals, das in ungeraden Jahren stattfindet.

– Warum veranstalten KET und Bethlen alle zwei Jahre das Monotanz-Festival?

– Zum einen hatten wir eine Verbindung zum inzwischen eingestellten Monodrama-Festival in Eger, das ähnlich funktionierte. Zum anderen, damit genügend Aufführungen entstehen, aus denen man bereits ein Festivalprogramm zusammenstellen kann. Typisch für dieses Genre ist, dass es sich meist um kurze, 15- bis 25-minütige Aufführungen handelt, und obwohl es auch 40- bis 50-minütige gibt, braucht man davon zwei bis drei pro Tag. Zudem ist dies aus der Sicht eines Tänzers ein äußerst anspruchsvolles Genre; es erfordert viel Arbeit und Zeit, um authentische Aufführungen zu schaffen. Aus sich selbst zu schöpfen, bedeutet, sich ernsthaft zu öffnen. Ich bin es, der etwas denkt, und ich werde dies vermitteln. Das heißt, Es handelt sich dabei immer um persönliche Bekenntnisse, auch wenn ein Choreograf mit dem Darsteller zusammenarbeitet und ihn zu dem formt, was er in ihm sieht. Wir erzählen also während des Monotanzes keine Geschichten. Ein Monotanz, der ohne Choreografen, ganz allein entstanden ist, ist vielleicht noch schwieriger, weil es dabei keinen kontinuierlichen Dialog gibt, es gibt kein

Interaktion. Wenn man allein ist, ist es unglaublich schwer, sich ständig selbst zu motivieren und es technisch gesehen zu meistern, die Darbietung zu konzipieren, aufzunehmen und bis zum Ende durchzuziehen.

– Lässt sich formulieren, wann eine Monotanz-Aufführung gut ist?

– Wenn ich im Zuschauerraum sitze und mir die Haare auf den Armen zu Berge stehen, dann ist das gut; wenn nicht, dann habe ich den Film nicht verstanden, dann hat er mich nicht berührt. Es geht nicht darum, dass der Zuschauer das von Anfang bis Ende so empfinden muss, sondern darum, dass es einen Moment gibt, in dem das Stück ihn in seinen Bann zieht und mitreißt. Im Übrigen fällt es dem Zuschauer leichter, sich mit einem Solisten zu identifizieren, sogar mit einem Duo oder Trio, weil er herausfinden kann, welcher von ihnen er selbst sein könnte. Wenn wir Gruppen beobachten, ist das schon viel schwieriger; da kommen andere Wirkmechanismen zum Tragen. Erstere sind daher viel persönlicher, wir können uns in die Haut eines der Darsteller versetzen, was natürlich auch von der Rezeption des Zuschauers abhängt. Aus dieser Perspektive betrachtet Der Künstler geht ein enormes Risiko ein, er setzt alles auf eine Karte, denn entweder überzeugt sein Werk oder eben nicht. Der Betrachter schaut zu und urteilt, und der Künstler trägt die Last dieser Entscheidung.

– Wie läuft das Auswahlverfahren ab?

– Ich versuche, mir zwei Jahre lang jede Monotanz-Aufführung anzusehen. Die ungarischen live, die ausländischen auf Video, und Barna Petrányi reist um die Welt. Mein wichtigstes Kriterium ist, dass die Aufführung mich berührt – das kann ich in erster Linie an mir selbst testen, beobachte aber auch die anderen Zuschauer. Nach der Vorstellung schaue ich mich um, gehe nicht sofort weg, lausche den Gesprächen und unterhalte mich mit den Leuten. Ich lese Kritiken – es gibt problematische Vorstellungen, über die diskutiert wird. Das ist auch gut so, denn es hat etwas in den Menschen ausgelöst, da sie darauf reagieren. Was mir an diesem Festival gefällt, ist, dass es die Errungenschaften der letzten zwei Jahre präsentiert. Außerdem ist es ebenfalls sehr wichtig, was wir rund um diese Veranstaltung organisieren können. Wenn die Zuschauer hierherkommen, um einen Film über die Entstehung des Festivals zu sehen, oder das Programmheft lesen, werden sie erfahren, dass es eine zehnte Jubiläumsausgabe gab oder dass auch die Südkoreaner ein Solo-Tanzfestival veranstalten. Die Begleitprogramme dienen also auch der Wissensvermittlung. Zwischen zwei Aufführungen zeigen wir zum Beispiel einminütige Tanzfilme vom SzólóDuó-Festival oder Ausstellung mit Tanzfotos des Fotokünstlers Gábor Dusa kann man auch nur so sehen wie Ausstellung des Choreografen und bildenden Künstlers Krisztián Gergye. Letzteres ist bereits das dritte Mal, dass die Tänzerin und Choreografin bei uns mit Werken der bildenden Kunst auftritt, in diesem Fall gleich neben ihrer Premiere. Es ist ein Glücksfall, dass die Räumlichkeiten des Bethlen-Téri-Theaters all dies ermöglichen. Im Café findet zudem ein Gespräch über das Genre und die Motivation statt, moderiert von der Tänzerin und Universitätsdozentin Dr. Katalin Lőrinc unter dem Titel „Wo wächst der Monotanz?“, , bei der die Zuschauer die Künstler treffen und ihre Fragen stellen können.

– In diesem Jahr stehen mehrere Rahmenveranstaltungen im Zeichen der südkoreanischen Gäste.

– Ja, auf der Ausstellung „Der Zaun“ zeigen wir Fotos, die bei ihren Aufführungen entstanden sind, es wird eine Vorführung eines Making-of-Films über das Festival in Seoul geben, und im SÍN Art Center ein Tanz-Workshop Die drei südkoreanischen Dozenten werden einen Workshop abhalten, für den sich bereits zahlreiche Tänzer angemeldet haben. Es ist eine einzigartige Gelegenheit, von einem Meister aus einem so weit entfernten Land zu lernen – zum einen wegen der Entfernung, zum anderen, weil damit enorme Kosten verbunden sind. Für beide Seiten ist es eine Ehre und eine hervorragende Gelegenheit, an einer solchen Begegnung teilhaben zu dürfen.